Zona MACO 2010

El 14 de abril se inauguró la feria de arte más reconocida en la ciudad de México, Zona MACO, a la cual no podía faltar. En esta ocasión la cita fue en el Centro Banamex ubicado a espaldas del Hipódromo de las Américas. En esta ocasión dispusieron la entrada como recepción de medios donde recorrías una galería de revistas y medios dedicados a la cultura y el arte, donde la venta de libros y de suscripciones a revistas no se hizo esperar.

Una vez traspasada la barrera de medios y del agüita Perrier que te entregan al entrar, llegamos a la zona de exposiciones, donde la primera pieza que te hace recordar porque el mundo del arte es tan incomprendido es una pieza hecha a base de metros y metros y metros de cinta magnética, supongo que de cassette o videocassette (no recuerdo bien) apilada en un montón. Tras esa entrada te puedes esperar cualquier cosa o casi cualquier cosa dentro de la exhibición de las galerías.

Mentiría si dijera que recuerdo el nombre de todas las galerías incluidas en el recorrido, sin embargo no se me olvida que estaba la OMR y que exhibía un registro de la obra de Rafael Lozano Hemmer (uno de mis artistas favoritos) y en otro lugar de la exhibición me encontré una serie de Gabriel Orozco, no su ten famoso cráneo, sino una serie de fotografía intervenida.

De lo más destacado que vi fueron cuadros hiperrealistas, algunas videoinstalaciones (por cierto muy interesantes), fotografía hubo poca pero no dejo de verse, ya fuera como combinación de múltiples fotos o como una sola toma, esculturas en diversos formatos e instalaciones realizadas con muy variados elementos como un mapamundi hecho con papel moneda o incluso una escultura de hielo que estaba derritiéndose.

Del recorrido abstraigo lo que más recuerdo, una escultura de un gato en blanco que quería comerse a un pez, una pared pintada de verde con un cuadro al centro que decía cuidado con la pintura o algo así, la serie monsturos de fotografías combinadas con rostros de personalidades del arte, una videoinstalación de minipantallas de plasma donde simulaban la caída de un lago con diversos elementos. cuadros hiperrealistas desde mujeres desnudas hasta el montaje de cuadros sobre cuadros, esculturas de esqueletos de muy diversos estilos desde los cráneos de mickey mouse y pinoccio hasta el vidrio solado de un esqueleto completo.

En fin el recorrido es grato e interesante a la vez, se ve un poco de todo tanto artistas mexicanos como extranjeros, y aunque son más lo extranjeros hay galerías muy representativas de méxico que no deben de faltar.

Pronostico del OSCAR 82

Para la próxima entrega de los premios OSCAR ya hay nominados y como siempre ya hay favoritos, así que van los míos:

Mejor Película: Avatar

Mejor Actor: Colin Firth

Mejor Actriz: Sandra Bullock

Mejor Director: Quentin Tarantino

Mejor Actor de Reparto: Matt Damon

Mejor Actriz de Reparto: Mo'Nique

Mejor Película Extranjera: The White Ribbon

Mejor Banda Sonora: Sherlock Holmes

Mejor Vestuario: Sherlock Holmes

Mejores FX: Avatar

Nos vemos en los premios Oscar 2010.

Fin de películas

Hace una semana vi la película Leyendas de Vida con Mat Daimond y Will Smith y debo decir que desde hace mucho tiempo que no disfrutaba una buena película de drama como esta, una película que te hace recordar lo corta que es la vida y lo mucho que tenemos por hacer en ella, también nos recuerda que cada uno tenemos nuestro propio swing, es decir nuestro propio estilo para hacer las cosas y por ello debemos adaptarnos a él para no perder la proporción de lo que estamos haciendo en la vida; es curioso como un simple juego de golf lleva al locutor a contarnos una experiencia de vida tan intensa, donde nos hace ver que hasta el que se cree menos afortunado o atrapado en sus pesares puede sacar lo mejor de sí mismo, si escucha su voz interior. Y recuerdo a mi tía Elsa cuando me decía: "el golf es un juego en el que tienes que estar en armonía contigo mismo para lograr la perfección en él". Vaya que tenía razón y por lo visto no es la única en pensarlo, pues en esta película potencían esta frase al máximo para obtener del observador la reflección de la armonía de la vida misma.

Por otro lado vi la película Eclipse Total con Leonardo Di Caprio, una sinpopsis de la vida y el romance entre los escritores Arthur Rimbaud y Paul Verlaine y lejos de lo gráfica que puede llegar a ser esta historia, lo interesante en ella es que logra capturar al espectador para animar a leer más de la obra de Rimbaud. Es increible como un genio que escribió poco haya dejado tanto al plasmar tanta vida en su poesíay sus manuscritos; por lo cual, me sonrojo al decir que no he conocido de primera mano sus escritos, sino por una película como esta, tarea próxima leerlos...

Buenas, dramáticas, pero al fin de cuentas llegadoras las películas que vi el fin de semana pasado.

Expo Arte y Cultura

El pasado fin de semana se llevó a cabo en el WTC de la ciudad de México la expo Arte y Cultura, con la presencia de grandes personalidades del arte como son la pintora Martha Chapa, el escritor Carlos Monsivais, el fotógrafo Marco Antonio Cruz, el artista Sebatián y muchos más. Al igual que la presencia de grupos artísticos, musicales, circences, de baile, etc. como el dueto FM o el Circo Hermanos Vázquez.

En los estants podiamos ver las diversas fundaciones y empresas dedicadas al arte y la culura, como letras voladoras, Canal 11, Canal 22, Fundación Sebastián, etc. Donde vendian sus productos de difusión artística coo libros, miniaturas, hasta piezas de colección.

Es una primera edición de un proyecto que mira hacia la mejora y aportación de la difusión artística en la ciudad de México, lo que es muy importante en esta época de reseción económica, es u gran esfuerxo de parte de los organizadores el llevar a cabo foros como este donde se aporta la exposición de diversos personajes que no son de fácil acceso para el resto de la población.

Lo único malo es que cobraban $100.- por día para entrar a las exposiciones.

El MUAC

El Museo Universitario de Arte Contemporáneo ha abierto sus puertas al público con algunos retrazos en el montaje de sus exposiciones, debido al cierre temporal gracias a la epidemia de la influenza (AH1N1).

Así al reabrir sus puertas contaba con una efímera exposición de dos de sus 10 salas, donde expuso una serie de arte urbano contemporáneo, en donde lo más simple como una instalación de un peyón o la instalación de un corazón hecho por medio de varas de árbol dan a entender que el arte ha perdido perspicacia, también había una pieza de semefo caracterizada por los restos humanos que como siempre es el método sino el modus operandi de SEMEFO. Hasta la exposición de los renacuajos y su semejanza con el hombre, esto en la última sala que comprendía la exposición.

Claro que al entrar al museo te pasan dos cosas, primero notas el rompimiento arquitectonico que se da con el espacio circundante, pues son placas de concreto armado y cristal que conforman la arquitectura de este museo y no la típica piedra volcánica o el mural al que está acostumbrado la arquitectura universitaria; así la segunda cosa después de ese primer impacto, es que esperas encontrarte entonces con un arte de primer mundo, sofisticado como se ve la fachada del museo y te encuentras con los encargados de información dándote una guía de la exposición del moemnto con la excusa de: "disculpe pero aún no se ha terminado de montar la exposición". Cosa que después de escuchar te hace pensar, "y si mejor me voy y vengo el día que esté montada toda la exposición".

Y así entre la descepción artística y arquitectónica, visualmente hablando, das la vuelta subes al coche y te vas esperando que para el próximo mes estén todas las salas en uso, para poder disfrutar del ARTE que traeran próximamente.

El crítico y su crítica

Hace muchos años leí de un crítico de la época de oro en el cine mexicano, más o menos, que el ser crítico de arte es el trabajo más mal pagado pues si la obra es buena y el crítico dice que no lo fue, recibe quejas del público y/o del artista y viceversa si es mala y opinas que es buena no le darás gusto ni al público ni al artista nunca.
Así que aqui estoy en la crítica de la crítica en la añoranza de que un buen día mi crítica se haga leer por si misma sin importar a quien se le da el gusto si al artista o al público.

Plaza Loreto y las nuevas culturas globales

Este mes en Plaza Loreto se exhibió una muestra de música en el foro de actividades múltiples, que pertenecen al movimiento del 6º Festival Internacional Ollin Kan “de las culturas en resistencia”, Tlalpan 2009. Donde el Vibrar y la armonía de los grupos te llaman participar en su música. Se encontraban grupos de la India, España, Nicaragua, Estados Unidos, Venezuela y México, entre otros. A mí en particular me tocó ver las interpretaciones de Senaya de Senegal; West Philadelphia Orchestra (EUA); Majousrstuen de Noruega: etc. Seguirán del 13 de abril al 10 de mayo en distintos lugares de Tlalpan; para mayor información remitirse a www.ollinkan.com.mx (entrada libre).

Moda y Modernidad

Imagen del Catálogo de la exposición.
Mientras que por su parte el Soumaya presenta dos exposiciones itinerantes una de la moda desde 1790 hasta 1890, esta presentación goza tanto de vestidos como de cuadros de diversos artistas como Pelegrín Clavé. Y por otro lado tienen una muestra dedicada al humo del tabaco, donde las piezas que se exhiben van desde un biombo hacho de cajetillas de cigarrillos, pasando por diversos tipos de cigarros, procesos para hacer puros, cigarreras, hasta unos versos de una canción dedicada al cigarro, además de los eternamente conocidos retratos de María Félix, La Doña, con sus cigarrillos y boquillas. Un par de paseos agradables que no deben dejar de ver.

Temor al Futuro, Carlos Amorales

Nuestro tiempo nos lleva a la paradójica pregunta sobre nuestro destino; sin espacio al sueño, un artista nos deja la pregunta muy clara suspendida en el aire de su obra plástica; él es Carlos Amorales, que sin temor a encontrar respuestas nos pregunta: ¿Por qué temer al futuro? Diseños digitales hacen de este autor el profeta del arte, presentó en el MUCA campus CU, en la ciudad de México una exposición de más de 400 dibujos en torno a un solo tema la incertidumbre del FUTURO… Con la sobrexposición de láminas monocromas en video, mural, o móvil nos topamos con dos metáforas muy marcadas, la griega del ave como presagio del futuro, y símbolo del paso del tiempo; y una más contemporánea, el avión como símbolo de la libertad, el sueño americano y la destrucción del hombre por intereses económicos. Este artista, también nos recuerda el uso de la cartomancia y al arte adivinatorio como respuesta al porvenir y la buenaventura. Es una exposición que nos lleva a buscar en nuestro interior para toparnos con la necesaria respuesta de lo que vendrá. Gracias a los elementos defragmentados o estilizados encontramos la alta calidad del dibujo como forma principal de los conceptos expresados por nuestro autor. Vemos imágenes desde telarañas hasta tipografía que unen la secuencia de lo que somos a lo largo del tiempo; desde sabernos nada comparados a los insectos, hasta el proceso de mostrarnos con distintas máscaras o movimientos que liberan la energía compelida en un ser humano a lo largo de su vida. Carlos Amorales nos regala un excelente video de 6’21” que ambientalizado con la música de piano nos hace adentrarnos en su mirada para entender lo que es el futuro, comprendido como una serie de eventos que van envolviendo al ser humano para configurarlo. Nos muestra las huellas que el tiempo va apropiándose para recrear al individuo completo a lo largo de su vida, como imagen del recuerdo; comparándolo así con las estaciones del año que van encallando en el viento para crear el destino del hombre, de ese ente que se construye con base en la experiencia y que termina, sin lugar a dudadas, como imagen desdibujada en la mente del observador, como simple recuerdo de su paso en el tiempo. En este video observamos al hombre como imitador o marioneta de las causas sociales y redentor de su propio destino, donde la metáfora más marcada es el vuelo del ave que nos lleva a recrear el símbolo de quietud con el que termina el video, sin ser así mismo el fin del hombre, sino como estampa del tiempo, como imagen de lo que tras el paso del hombre se configuró en sueños, como salvación al temor de lo que vendrá. Una mancha roja y un ave en picada nos demuestran que no hay futuro simple, que cada despertar nos da una nueva batalla, y que el hombre es como el ave es un fugaz sueño convertido en realidad y defragmentado al final del tiempo con el olvido de la imagen que de él se configuró.

Los despojos de Rivera

“Siempre nos estamos despojando de algo desde que nacemos”
Arturo Rivera[i].

En noviembre del año pasado la galería de Arte Moderno, ubicada en la colonia San Miguel Chapultepec, presentó la nueva serie del artista Arturo Rivera. En ella, nos mostró que el hombre es una máquina que para sobrevivir debe desprenderse de todo lo que va tocando en su camino; ¿pero qué es eso que dejamos atrás de nosotros mismos, la máscara que cubre nuestro ser o la esencia que queda cubierta por ese antifaz que anteponemos a los demás?
Al parecer este hombre; que ha olvidado que en el arte de hoy se buscan nuevos formatos, idiomas que dejen de ser universales y la multiplicidad enigmática; es él de los más libres que nos ha despojado la estética del siglo XX. Él no busca la fórmula aunque en el formato lo parezca, pues decide trabajar una técnica que el hombre ya reconoce como arte [óleo o carbón, sobre tela o madera]; y no continúa con esa tendencia excesiva de imponer sobras de la sociedad en lugar de buscar nuevas integraciones dentro de los materiales plásticos ya comprendidos.
Así Rivera demuestra no sólo el impacto que ha ejercido sobre él el arte del pasado, usando incluso sus formas estéticas y cromáticas, como el claroscuro y los temas míticos; pero a su vez nos ha dado la viveza y la novedad de la mirada turba que tanto refleja a este hombre posmoderno; que ha caído en la desesperación por ver olvidada esa parte suya que con tanto ahínco defendía apenas dos siglos atrás; que ya no encuentra su libertad.
De esta manera se puede entender que en las suaves líneas riveréscas y los destellantes rojos delineadores imprimen la fuerza naturalmente dada por la inspiración de un hombre que guarda en su interior un archivo de esas vidas que se han perdido al imponernos un modelo cuasi religioso de la mujer actual, y de su mismo ser.
“Cualquier autorretrato es un despojo. Cambiamos de un día para otro. ”
Arturo Rivera[ii].
[i] Hernández. Francisco“Miradas entrevistas, despojos conversados”.

[ii] Hernández. Francisco“Miradas entrevistas, despojos conversados”.

Entrevista a Sandra Valenzuela, proyecto de Tesis “Sobre la mesa”

Sandra Valenzuela nace en México en 1981, estudia arte en la escuela la Esmeralda del CNA; se introduce en el mundo del arte a los 18 años, por un gusto personal, además de la gran trayectoria por parte de su familia, quienes han sido restauradores y han vivido en contacto con el arte; en preparatoria comenzó a tomar clases de pintura hiperrealista –esto le da las primeras bases para hacer la fotografía de tipo objetual que maneja–, después siguió con la idea de tomar clases de artes visuales, entrando así a la Esmeralda; donde tuvo la posibilidad de practicar a la par de la fotografía otros formatos como el video, las instalaciones, la escultura y comenzó a moverse en el mundo del multimedia; le gustaría aprender iluminación o digitoescultura en cristal, se encuentra realizando la maestría en arte en la escuela de arte de Nueva York. Algunos de sus proyectos son: X Boyfriend. (2007), Empresa de Altura. (2006-2007), Media noche. Clean-Freak. (2006), Still Life. (2004) , Envase. (2004) y Dulce Modernismo. (2004). Para mayor información de la artista referirse a http://www.sandrav.info/

Para ella el arte es "un campo, en el sentido como dice Pierre Bordieu. También es una forma de expresión a partir de la cual se puede crear significados y asociaciones por medio de la imaginación, visión del artista, y la relación con el espectador. A su vez es un mercado, un negocio de bienes e inversión a partir de invaluables, es una memoria histórica, la producción de ideas, es la materia con significado, o sólo un término".

Género: naturaleza muerta.

A.R. ¿Por qué te interesa la estética de los Bodegones?
S: Durante mi formación escolar había realizado imágenes de objetos comunes. No sé porqué, supongo que siento una atracción natural ante cierto tipo de cosas, solía ir mucho a los supermercados como un proceso de pre-producción. Pero este constante interés por las “cosas comunes“, era muy intuitivo. Al poner mis intereses sobre la mesa fue que decidí realizar un proyecto de tesis, en donde el tema central fuera la naturaleza muerta, y el vínculo entre fotografía y pintura, lo cual involucra a los bodegones.

A.R. De los autores que retomas, ¿qué te llama la atención?
S: Pues varía depende el autor, en Cézanne es la perspectiva, en Morandi la repetición, en Magritte la relación texto imagen. Pero en general son autores que de alguna manera me parece contribuyeron a la tradición pictórica del género que estoy abordando para el proyecto.

A.R. ¿Qué elementos estéticos muestras en este seguimiento y por qué cotidianizarlos?
S: Intento establecer sincronías entre el autor y la paráfrasis, Esto es en la composición, la paleta de la imagen o croma, y el contexto de la naturaleza muerta.

A.R. ¿Cuáles son las temáticas con que desarrollas tus bodegones?
S: En el caso del proyecto actual, reviso e investigo al autor y luego hago caminatas por tiendas departamentales u observo objetos cotidianos y pienso como y que cosas podrían sustituir las cosas representadas por el autor. Por ejemplo, cual seria un objeto similar pero de nuestros tiempos. Luego normalmente observo mucho el tipo de composición y trato de mantener una sincronía. Pienso que los temas en este proyecto están de alguna manera ya dados en las fuentes iniciales de los autores, sólo que trato de rehacer ese tipo de discursos en un ambiente posmoderno. Un poco con la idea de que el hombre a lo largo de las décadas y los siglos en realidad no cambia tanto. Una manera de decirlo es que cambian los materiales y la tecnología, pero las necesidades en su nivel esencial permanecen. La naturaleza muerta tiene mucho que ver con las necesidades de la vida cotidiana.

A.R. Los elementos artísticos y estéticos que retomas para este proyecto, ¿podemos observarlos en algún otro proyecto tuyo?
S: Creo que el apego hacia la pintura o cierto nexo entre el medio de la pintura y la fotografía ha sido un interés constante para mí. Pienso en series como modernismo estomacal, en las 4329 calorías y vídeo gum. Al final en todas las fotos se representan objetos, es decir no son retratos ni paisaje, y en ese sentido son naturalezas muertas. Por eso pienso que este proyecto era una buena idea para concluir una formación académica, pues resume muchos de mis intereses en mi producción artística.

A.R. ¿Cuál es el impacto visual que buscas con estos cuadros?
S: Cada espectador tiene un background diferente y en ese sentido una interpretación distinta, por eso es difícil (y aburrido) querer controlar la significación de las imágenes. Lo que si me interesa es que el vínculo entre la fotografía y la pintura se perciba o entienda. Creo que eso se ha logrado, al menos con las imágenes del proyecto que he podido mostrar como son el caso del desayuno Giorgio Morandi y el vanitas tipo Claesz Heeda. Me interesa también que las imágenes tengan esta carga temporal, como de parecer medio viejas o ya vistas, esto es algo difícil de explicar pero alguien me dijo con el desayuno Giorgio Morandi que cuando vio la imagen le dio la idea de que ya la conocía, aunque sabia que en realidad era la primera vez que la veía. Y pues, yo me sentí muy halagada al oír eso, por el hecho de que son apropiaciones. También me ha pasado que muchas personas me dicen que de primera impresión creen que son oleos y cuando eso sucede, yo empiezo a confiar más en el proyecto y los objetivos que me he planteado durante el desarrollo de este.

A.R. ¿Hasta donde retomas la estética publicitaria para esta nueva serie?
S: Yo tiendo a ser una persona muy perfeccionista y me interesa la limpieza y el control en la imagen. Las fotos que yo hago son producidas; es decir fabrico los contextos para la creación de la imagen. Incluso todas tienen retoque lo cual me permite mayor control. Estos procesos también se dan en publicidad. Pero el tratamiento es bastante distinto y cuando he visto las fotos de comida para publicidad, como que mantienen este interés de que todo se vea muy comestible y antojable. Mi interés es más pictórico y no existe una intención en mis imágenes de crear esta lectura muy direccional e unívoca en la cual la publicidad se apoya. Pues necesitan que se entienda el mensaje para que la gente consuma lo que se anuncia. He visto en algunas juntas de publicistas el enorme miedo del cliente con campañas en donde la significación es un poco ambigua o abierta. Todavía no confían en campañas que no sean tan claras y directas. El arte creo que busca una significación mas abierta. Creo que en ese sentido el arte y la publicidad son muy diferentes.
En lo que puede haber una similitud es en la intención de seducción, a mi me gusta la idea de crear imágenes que seduzcan, probablemente por medio de su carga estética y contenido. Creo que la publicidad también se sirve de la herramienta de la seducción para crear una memora del producto en el consumidor y que este lo compre.
Lo que si creo es que la publicidad se alimenta mucho del arte, a cada rato veo que los publicistas toman sus ideas de imágenes del arte.

A.R. ¿Qué mensaje buscas dejar en el espectador?
S: La verdad creo que no busco dejar un mensaje, me interesa más crear representaciones con una percepción distinta de los objetos cotidianos.

A.R. ¿Con estas obras te cuestionas sobre los problemas sociales?
S: No


A.R. ¿Con esta serie te cuestionas los problemas del arte, como el qué es o a dónde va?
S: Constantemente con este proyecto me he cuestionado el proceso de apropiación del pasado para la creación del presente. Esto no es nada nuevo, pasa casi en cada uno de los grandes “ismos”, aunque sea para negarla; el arte siempre se sirve de la tradición, la historia y la academia. Creo que una de las crisis anunciadas del postmodernismo (desde los setentas) es que existe tanto pluralismo en las propuestas y ha pasado tanto en la historia, y los limites se han expandido tanto que muchas veces tenemos la impresión de que sólo se hacen “remakes” de cosas pasadas, es decir que vivimos en la época del “cover” y las referencias de las referencias...... que ya no puede haber nada realmente nuevo. Uno siempre se está haciendo preguntas con respecto al campo, pero creo que también es bueno considerar tus propias necesidades en cuanto a los procesos, para mí era importante realizar este proyecto, era una manera de madurar ciertos intereses.

A.R. ¿Qué tendencia sigues esta vez?, lo objetual, lo abstracto, lo cotidiano, lo conceptual, etc...
S: Fotografía construida en estudio, de naturaleza muerta que busca crear un vínculo entre el medio fotográfico y la pintura. Es representación figurativa, imagen de tipo indexal (foto) que parte del género de la naturaleza muerta, mismo que mantiene una tradición con el espacio del adentro y la vida cotidiana.

A.R. ¿Te consideras parte de tu época?
S: Sí, no sé como no podría serlo. Oh bueno, ¿en que sentido? Me considero una artista joven y emergente de la escena mexicana.

A.R.¿Cómo relacionas tu arte con las tendencias mundiales actuales?
S: Creo que hay un interés muy fuerte por parte de varios fotógrafos de entablar propuestas donde se mine la idea de la fotografía como referente de lo “real “. Y en ese sentido este interés de acercar la fotografía a la pintura. Lo he visto mucho en retrato, desde Cindy Sherman y varias propuestas actuales. Incluso muchas cosas de Jeff Wall. Por eso creo que el tema del nuevo proyecto es un tema que puede ser pensado de diferentes maneras.

A.R. ¿Crees que te puedes englobar en lo que podemos llamar una estética de corriente mundial?
S: Es un poco complicado este fenómeno de corriente mundial y arte regional. Es algo en lo que influye mucho el mercado al igual que la academia y otros factores como la economía etc... Creo que de alguna manera hay movimientos que estaban basados en una ideología muy local que ya no los pensamos como actuales, incluso ahora los vemos un poco “naives” o sentimos cierto rechazo hacia ellos. (Aquí me refiero al muralismo y corrientes nacionalistas.)
Ahora se da más apoyo a las propuestas que puedan tener una recepción más universal que local. Creo que el capitalismo, los productos transnacionales y las nuevas formas de comunicación han contribuido a que las cosas sean así. Esta nueva visión del “hacia fuera” creo que empezó con la ruptura. Yo creo que así como hay que ver hacia afuera también es importante ver lo que pasa en la esquina de tu casa y creo que al final los países subdesarrollados tenemos esta idea de exotismo, somos concebidos como otredad por los países desarrollados. El problema es cuando intentas ser algo que no eres y entonces basas tu propuesta en la pretensión.
Por otro lado, un Maestro mío dice que Duchamp huele a perfume francés y Warhol a hot dogs. En ese sentido yo pienso que no puedes negar tus orígenes, pero también creo que la globalización es una realidad. Hay gente que dice que el artista es ciudadano del mundo, pero yo no he viajado tanto como para sentirme así de cosmopolita.
Creo que yo tengo imágenes en donde México no es necesariamente una referencia (en especial la serie de clean -freak que casi parece rebeldía) Pero luego tengo imágenes tipo fonda o la paráfrasis a Agustín Arrieta en donde el contexto de México es crucial para la creación de esas imágenes.


A.R. ¿Crees que el espectador debe entrar en tu fotografía?
S: Yo creo que el tipo de imágenes que yo hago son casi como: lo que ves es lo que es. Y por eso creo que en general son bastante accesibles. Pero cualquier medio necesita atención por parte del espectador. Es como un ceder del espectador hacia la imagen.

A.R. ¿Qué papel juega la comercialización social en tu arte (el consumismo)?
S: Yo nací en un sistema capitalista y creo que el sistema de los objetos se vincula mucho con la idea de consumir, la compra y por lo tanto la publicidad. Me gustan mucho las imágenes en serie que se crean en las tiendas departamentales donde luego ves 100 licuadoras juntas o 40 monitores. Me gustan mucho las tiendas de vajillas y me fijo mucho cuando hay muchos objetos del mismo agrupados en un mismo lugar. Creo que estas imágenes propias del pop, son completamente dadas en un ambiente capitalista

A.R. ¿Te consideras una artista propositiva o sólo retomas los elementos del pasado porque te identificas con ellos?
S: Me considero propositiva y retomo elementos del pasado porque me interesan y por una especie de hambre por la historia.

A.R. ¿Seguirás realizando fotografías bajo esta temática?
S: Ahora estoy empezando a desviar el proyecto hacia un interés por el envase tetrapack, quiero seguir explorando otros medios como el video, la cerámica y el dibujo digital. La foto es mi medio madre y voy a seguir usando este medio. Pero ahora estoy entusiasmada con unas piezas de porcelana que estoy haciendo

A.R. ¿Es vendible tu obra?
S: Si. Creo que todo es vendible. Dicen que depende del vendedor.

A.R. ¿Qué proyectos vienen después de éste?
S: como te comentaba estoy empezando una cuestión donde el envase tetrapack es la figura principal

A.R. Por último, ¿qué es o qué representa para ti el arte digital?
S: El arte digital abarca bastantes medios, el art-net, gráfica digital, la foto, el vídeo, multimedia. Creo que cualquier cosa que utilice un ordenador para su realización. La verdad yo no hago obra para la web, pero creo que hay propuestas muy interesantes en esa área, me encanta el medio de la Internet. Yo uso mucho la computadora hasta para hacer bocetos. De repente pienso que las ideas en el arte se van regenerando o re-usando y lo que va cambiando son los medios y la tecnología, aunque en realidad también creo que va cambiando la mirada y por lo tanto la representación. No se, me encantan las computadoras y los proyectos relacionados a la inteligencia artificial y modelos virtuales. Me parecen cosas muy interesantes y muy emergentes, pues son medios muy nuevos y creo que incluso el mercado aún no los absorbe tanto como otras propuestas.